Autores

  • Leonardo Da Vinci

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(Autorretrato).

Pintor, inventor, escultor, arquitecto, ingeniero, astrónomo… Clasificar al italiano Leonardo da Vinci es una sola disciplina es una tarea imposible. Su figura encarna perfectamente el ideal del hombre del Renacimiento, y su expresión derivada como sinónimo de polímatía, o sabiduría aplicada a diversos campos del arte y de la ciencia. Como inventor dejó trazadas las ideas de lo que luego serían dispositivos y aparatos tan dispares como el paracaídas, el helicóptero y el tanque, aunque el nivel tecnológico de su época hizo imposible que los viera convertidos en realidad. Sin duda, su legado más universal está en el campo de la pintura. Obras magnas como La última cena o La dama del armiño han quedado relativamente eclipsadas por la dimensión de su cuadro más famoso: la Mona Lisa, Gioconda, expuesta en el museo del Louvre de París y convertida en un auténtico icono popular.

Fuente: https://www.bosquedefantasias.com/recursos/biografias-cortas/leonardo-da-vinci

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  • Luca Pacioli

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Luca di Borgo; Borgo San Sepolcro, 1445 – Roma, c. 1514. Matemático italiano. Fue profesor en diversas ciudades, entre ellas las de Nápoles, Milán y Roma. Resumió los conocimientos matemáticos de su época en la obra Suma de aritmética, geometría, proporciones y proporcionalidad (1494), en la que se hallan referencias al cálculo de probabilidades, al método de la partida doble y a diversos temas sobre libros contables. En su obra De la divina proporción (1509), ilustrada con dibujos de Leonardo da Vinci, estableció una relación entre la sección áurea, los principios arquitectónicos y las proporciones clásicas del cuerpo humano.

El tratado De la divina proporción (terminado de componer en 1496 y publicado en Venecia en 1509), está dedicado a Ludovico Sforza el Moro y contiene ilustraciones de Leonardo da Vinci. La divina proporción que da título a la obra no es otra cosa que la “sección áurea” de Euclides, bien conocida por los artistas del Renacimiento a partir de Brunelleschi. El tratado, escrito también en lengua vulgar latinizante como otras obras del mismo género, se subdivide en numerosos capítulos y comienza con un elogio de las disciplinas matemáticas, fundamento de todas las ciencias. Le sigue la exposición, según el principio euclidiano, de los “efectos” de la divina proporción, de los que Pacioli pasa al estudio de los poliedros regulares y de la esfera, tratando de sus propiedades y de su medida.

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Fuentes: https://www.flickr.com/photos/96723092@N08/albums/72157633976615427/with/36490259912/

  • Paolo Uccello

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Paolo di Dono, conocido como Paolo Uccello por su afición a los pájaros y otros animales (según Vasari), fue un pintor del quattrocento que contribuyó al desarrollo de la historia del arte con sus estudios sobre perspectiva.

A lo largo de su vida trabajó en Florencia, Padua, Urbino y Venecia, aunque poco se sabe de sus primeros años de formación.

Hasta hace poco, Uccello era considerado poco menos que un pintor de segundo orden, todavía gótico y poco destacable en el contexto renacentista. Sin embargo, en el siglo XX su figura fue reivindicada como uno de los principales artistas del Renacimiento, al ser principal desarrollador del uso de la perspectiva tal y como la conocemos hoy en día.

Según Vasari, el pintor era tal fanático de la perspectiva que todas sus noches trabajaba sobre ella, y fue el motivo por el que Donatello se metió tanto con él reprochándole el perder tiempo con absurdas especulaciones geométricas. Esta «obsesión» da como resultado unas pinturas de gran profundidad espacial.

Temáticamente, fue un artista básicamente laico, con interés en plasmar batallas medievales y otras escenas similares, abundando los personajes corales, aunque desde luego, como buen hombre del renacimiento, también tocó la pintura religiosa, el retrato y otros géneros.

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  • Alberto Durero

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Albrecht Dürer; Nuremberg, actual Alemania, 1471 – id., 1528. Pintor y grabador alemán. Fue sin duda la figura más importante del Renacimiento en Europa septentrional, donde ejerció una enorme influencia como transmisor de las ideas y el estilo renacentistas, a través de sus grabados. Se formó en una escuela latina y recibió conocimientos sobre pintura y grabado a través de su padre, orfebre, y de Michael Wolgemut, el pintor más destacado de su ciudad natal.

Como era habitual en la época, al concluir sus estudios realizó un viaje, que lo llevó a diversas ciudades de Alemania y a Venecia (1494), ciudad a la que regresaría entre 1505 y 1507 y en la cual recibiría las influencias de Andrea Mantegna y Giovanni Bellini, además de asimilar los principios del humanismo. Previamente había contraído matrimonio y abierto un taller en su Nuremberg natal, donde se dedicó a la pintura (Retablo Paumgärtner) y sobre todo al grabado.

A esta época pertenecen las series de grabados El ApocalipsisLa Gran Pasión y la Vida de la Virgen, convencionales en cuanto a temática pero revolucionarios por lo que se refiere a su concepción y su complejidad técnica. Las figuras, plenas de expresividad, son esculturales y están definidas por una multitud de detalles. La minuciosidad es precisamente uno de los rasgos destacados del estilo de Durero, carácter que es probable que heredara del oficio paterno.

Después de su segunda estancia en Italia, pintó algunas obras de grandes dimensiones como El martirio de los diez mil, en las que incorporó la riqueza del colorismo veneciano en composiciones de gran dinamismo y repletas de figuras. También por entonces pintó las figuras de tamaño natural de Adán y Eva, pieza clave de su creación artística.

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Fuente. https://es.wikipedia.org/wiki/Melancol%C3%ADa_I

  • Wentzel Jamnitzer Resultado de imagen para wenzel jamnitzer

Wenzel Jamnitzer (escrito en ocasiones Jamitzer o Wenzel Gemniczer) (1507/1508 – 19 de diciembre de 1585) fue un orfebre manierista nórdico, artista estampador y grabador, que trabajó en Núremberg. Fue el orfebre alemán más conocido de su época, formando parte de una sucesión de orfebres al servicio de los monarcas del Sacro Imperio Romano Germánico.

Jamnitzer, originario de Viena, era miembro de una familia alemana de Moravia, que durante más de 160 años había producido obras con los nombres de Jamnitzer, Jemniczer, Gemniczer y Jamitzer. Wenzel, con su hermano Albrecht, fue formado por su padre Hans el Viejo. Posteriormente, el hijo de Wenzel, Hans Jamnitzer (1539-1603) y su nieto Christof Jamnitzer (1563–1618) continuaron su negocio.

Jamnitzer trabajó como orfebre de la corte para todos los emperadores alemanes de su época, incluidos Carlos V, Fernando I, Maximiliano II y Rodolfo II. Además, probablemente inventó una máquina de estampado.

En 1534, Jamnitzer se estableció en Núremberg. Confeccionó jarrones y joyeros con gran habilidad, en un estilo basado en el del Renacimiento italiano. Además de los metales preciosos, incorporó piedras duras, conchas, corales y huevos de aves pequeñas en sus obras.

En 1543 fue nombrado troquelador de monedas y sellos por la ciudad de Núremberg. En 1552, se convirtió en maestro de la ceca de la ciudad.

Realizó estudios científicos para mejorar el conocimiento técnico de su gremio. En 1568 publicó Perspectiva Corporum Regularium (Perspectiva de sólidos regulares), un libro recordado por sus grabados de poliedros. Este libro se basa en el Timeo de Platón y en los Elementos de Euclides, y contenía 120 formas basadas en los sólidos platónicos.

Desde 1573, Jamnitzer representó a los orfebres en el ayuntamiento de Núremberg. De 1571 a 1576, trabajó con el escultor Johan Gregor van der Schardt. Wenzel Jamnitzer murió el 19 de diciembre de 1585 y fue enterrado en el cementerio de St. John de Núremberg (tumba No. 664). Su sepultura está decorada en bronce y tiene un epitafio de Jost Amman, un artista conocido por sus grabados en madera.

Se pueden ver ejemplos de su trabajo en Viena, en el Louvre, en el Museo de Victoria y Alberto de Londres, y en otros lugares. Muchas de sus obras probablemente fueron fundidas durante la Guerra de los Treinta Años.

  • Sebastian Truchet

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Jean Truchet (1657 – 5 de febrero de 1729), conocido como el padre Sébastian , fue un sacerdote dominico francés nacido en Lyon , que vivió bajo el reinado de Luis XIV . Estuvo activo en áreas como matemáticas , hidráulica , gráficos , tipografía y para muchos inventos.

Truchet nació en 1657, hijo de un padre comerciante y una madre muy piadosa. A los 16 años, se unió a los Carmelitas Descalzos . Tomó el nombre de Sébastien para honrar a su madre, que se llamaba Sébastiane. En 1693, fue seleccionado por Abbé Bignon para ayudar a su comisión a investigar la viabilidad de compilar una descripción de todos los procesos artísticos e industriales de Francia para el ministro Colbert . Por su ayuda, fue nombrado honorario de la Real Academia Francesa en 1699.

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  • Fredrich Froebel

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Friedrich Fröbel o Froebel; Oberweissbach, 1782 – Marienthal, 1852. Pedagogo alemán. Discípulo de Rousseau y de Pestalozzi, estudió sobre todo la educación preescolar. Partiendo del principio de que la naturaleza puede manifestarse sin trabas, fomentó el desarrollo de los niños a través de ejercicios, juegos y cantos al aire libre. En 1837 creó el primer jardín de infancia. Es autor de La educación del hombre (1826).

Junto a la real tipógrafo Jacques Jaugeon , Truchet estudió las proporciones de tipos de letra utilizando el línea francesa ( 1 / 12 pulgadas francés ), una medición derivada de platería . Luego, la comisión inventó el primer punto tipográfico , utilizando fracciones de minutos de la línea para crear un mapa de bits que podría usarse para describir matemáticamente y poner en cursiva el tipo de metal. Su sistema tenía una precisión innecesariamente grande en relación con la precisión con la que las fuentes se podían cortar realmente. Además, no coincidía con los tamaños de las fuentes en uso. Fournierposteriormente corrigió estas fallas, utilizando un punto más grande con mayor compatibilidad con las formas de tipo existentes.

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  • Alexander Graham Bell

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(Edimburgo, Reino Unido, 1847 – Beinn Bhreagh, Canadá, 1922) Científico y logopeda estadounidense de orígen escocés, inventor del teléfono.

Nacido en el seno de una familia dedicada a la locución y corrección de la pronunciación, Bell fue educado junto a sus hermanos en la tradición profesional familiar. Estudió en la Royal High School de Edimburgo, y asistió a algunas clases en la Universidad de Edimburgo y el University College londinense, pero su formación fue básicamente autodidacta.

El teléfono levantó todo tipo de comentarios irónicos; sin embargo, cuando gracias a las aportaciones de Emil Berliner empezó a revelarse como un medio viable de comunicación a larga distancia, se entablaron controvertidos litigios por la comercialización de la patente. El mismo día que Bell, pero unas horas después, Elisha Gray había patentado un aparato similar; actualmente se reconoce que la paternidad del invento debería atribuirse a Antonio Meucci, quien había registrado su «teletrófono» en 1871.

En 1880, Alexander Graham Bell recibió el premio Volta; el dinero obtenido con este premio lo invirtió en el desarrollo de un nuevo proyecto, el grafófono, en colaboración con Charles Sumner Tainter, uno de los primeros sistemas de grabación de sonidos conocido, aunque posterior al fonógrafo de Edison. Tras su muerte, acaecida en 1922, dejó como herencia dieciocho patentes a su nombre y doce más con sus colaboradores.

Fuente: https://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/bell.htm 

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Fuente. https://historiatelefonia.com/2014/03/09/alexander-graham-bell-el-humanitario/

  • Ikko Tanaka

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IKKO TANAKA (1930-2002) hizo del Diseño Gráfico uno de los más depurados medios de comunicación y de expresión artística. Al fusionar tradición y modernidad, obtuvo un estilo y creó un sello de identidad dominado por la refinada simplicidad de sus composiciones.

Originario de Nara, ciudad milenaria cuya historia se remonta al siglo VIII, inició su carrera dentro de las difíciles condiciones por las que atravesaba Japón en la posguerra. Su primer cartel impreso data de 1953, realizado en medio de la efervescencia del mundo occidental en que, como señala Raúl Hernández Valdés en Ikko Tanaka: la estética de la suspensión, el anhelo por asimilar los estilos de ese mundo se convirtió en un fenómeno social extendido a todos los estratos culturales japoneses.

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Fuente: http://www.uam.mx/difusion/plasticas/tanaka.html

  • Takenobu Igarashi

La prolífica carrera de Takenobu Igarashi ha abarcado casi cinco décadas, abarcando diseños que van desde gráficos, productos y ambientes hasta esculturas más recientes. Igarashi se graduó de la Universidad de Arte Tama en 1968, y completó estudios de posgrado en la Universidad de California en 1969. En las primeras etapas de su carrera, Igarashi estaba enamorado de los elementos de comunicación y la simplicidad de las formas de letras.

A lo largo de la década de 1970, Igarashi creó carteles y marcas registradas para varios clientes estadounidenses y japoneses y continuó su búsqueda de formas y tipos lúcidos. Sus carteles para UCLA, TCP Corp Jazz Festival y Zen Environmental Design se han convertido en iconos de la obra de Igarashi por su precisión y cualidades escultóricas. Igarashi también alcanzó prominencia a través de sus diseños para varias publicaciones internacionales, incluido un número especial de IDEA Magazine, Diseñadores gráficos en la costa oeste y tres volúmenes de World Trademarks and Logotypes.

En la década de 1980, Igarashi comenzó a colaborar con otros diseñadores gráficos influyentes, incluidos Massimo Vignelli en el logotipo de OUN y Pentagram en los carteles de Polaroid. También fue en este período que Igarashi comenzó a experimentar con objetos tridimensionales y gráficos. Citando influencias como Max Bill y Herbert Bayer, creó carteles de fachadas, bolsas de compras y sus famosas esculturas de aluminio Alphabet. También diseñó varios objetos para el Museo de Arte Moderno, a saber, un calendario con números tridimensionales, que produjo durante ocho años consecutivos. A fines de la década de 1980 y principios de la década de 1990, Igarashi comenzó a explorar la larga historia de la artesanía japonesa y comenzó a trabajar con fabricantes locales para crear múltiples productos, como relojes, teléfonos, lámparas, cerámica, etc., así como trabajos escultóricos que exploran formas orgánicas. a través de piedra, metal y madera. Como explicó Igarashi, “mi enfoque del diseño siempre ha fluctuado entre mi deseo de hacer algo útil para la sociedad y mi deseo de crear algo hermoso con mis propias manos”. 

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Fuente: http://postfanzine.blogspot.com/2012/08/takenobu-igarashi.html

  • Charley Harper

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Charley Harper (4 de agosto de 1922 – 10 de junio de 2007) fue un artista modernista estadounidense con sede en Cincinnati . Era mejor conocido por sus estampados de vida salvaje altamente estilizados, carteles e ilustraciones de libros. Nacido en Frenchton, Virginia Occidental en 1922, la educación de Harper en la granja de su familia influyó en su trabajo hasta sus últimos días. Dejó su casa de campo a estudiar arte en la Academia de Arte de Cincinnati , y ganó el primer beca de viaje Stephen H. Wilder de la academia. También durante su tiempo en la Academia, y supuestamente el primer día, Charley conoció a su colega artista Edie Mckee , con quien se casaría poco después de graduarse en 1947.

En un estilo que llamó “realismo mínimo”, Charley Harper capturó la esencia de sus temas con la menor cantidad de elementos visuales posibles. Cuando se le pidió que describiera su estilo visual único, Charley respondió:

“…Cuando miro un tema de vida silvestre o naturaleza, no veo las plumas en las alas, solo cuento las alas. Veo formas emocionantes , combinaciones de colores, patrones , texturas, comportamiento fascinante y un sinfín de posibilidades para hacer fotos interesantes. Considero la imagen como un ecosistema en el que todos los elementos están interrelacionados, son interdependientes, están perfectamente equilibrados, sin recortes ni partes no utilizadas; y aquí yace el atractivo de la pintura; En un mundo de caos, la imagen es un pequeño rectángulo en el que el artista puede crear un universo ordenado…”

Los resultados son audaces, coloridos y a menudo caprichosos. El diseñador Todd Oldham escribió sobre Harper: “El sentido del color inspirado pero preciso de Charley es innegable, y cuando se combina con la precisión que exige al presentar solo los detalles más importantes, uno siempre queda con una sensación de asombro”.

Fuente: https://en.wikipedia.org/wiki/Charley_Harper

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Roberto Real de León                Julia Vargas Rubio               Marco Antonio Flores Enríquez

HERMENEUSIS:         

Estudio de ArquéPoética y Visualística Prospectiva                                        

                                                           Departamento de Investigación y Conocimiento del Diseño

División de Ciencias y Artes para el Diseño    

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